El rosa, el color de la temporada, se adueña del plató durante horas. Nos dejamos ayudar por otros tonos, que ayudan a crear un enérgico contraste y a dotar de personalidad a un rosa ya de por sí con fortaleza.

¿Qué puede servirnos? ¿Un papel de regalo? ¿Una cartulina rosa? ¿Un parasol rojo para coches? No hay límites, ni siquiera para los tópicos ¿Quién decía que el rosa y el rojo no podían convivir?

 Imaginación al cien por cien, cualquier cosa vale para dar con la foto perfecta.

Incluso el producto más ordinario puede ser la herramienta más profesional.

El director de orquesta -Ernesto Naranjo- toma por batuta la cámara y, a golpe de click, nos anima a dar rienda suelta a nuestra imaginación y a jugar con todo tipo de objetos.

Pero no debemos olvidar que el concepto toma su razón de ser en un color y en las emociones que éste pueda transmitir. El rosa tiene que aparecer, aunque acudan en su ayuda otros elementos.

Y mientras las horas pasan, surge el lema que nos inspirará durante toda la sesión de la mano de Ernesto Naranjo: “Tenemos que hacer que este papel higiénico sea el papel higiénico más caro del mundo”.     

No hay idea que se pueda desechar a la primera. El objetivo es probar, probar y probar.

Nuestra máxima: hacer de un producto cotidiano un objeto de deseo. Solo tiene que convertirse en algo estético, transformarse en un elemento atractivo con el que el rosa cobre sentido.

Un torrente de creatividad inunda el ambiente. Un panty se transforma en un guante que sujeta un refinado ramo de flores. Se produce un contraste entre el rojo y el rosa, y dos calcetas que se convierten en pantalón y camiseta.

Un objeto puede ser algo más, solo con la inspiración precisa se puede convertir en algo estético.

Nuestro equipo se dispone a embellecer la fotografía creando un entorno sucio fuera de cámara. Entre varias, sujetamos el fondo para que no se vea un ápice de verde, luchando contra un croma que se hizo dueño y señor del plató. 

La modelo desempeña también un papel en la sesión: su poder para fusionarse con el entorno resulta crucial.

Un equipo que, entre risas y horas en las que disfrutar de una nueva experiencia, trabaja frenéticamente para que la sesión no dé el resultado esperado, sino algo más que eso. No hay más que crear de la nada fotos creativas, estéticas, mágicas, productos que provoquen en el lector una sensación de invasión de la tendencia, buscando dotar de personalidad y encumbrar un concepto.

Todo un juego para dejar la mente en blanco y dar rienda suelta a la creatividad.

Sin duda, lo profesional se demuestra provocando emociones más allá de la formalidad. Se trata de fomentar la motivación y convertir el trabajo en una explosión de libertad y ¿por qué no? de muchas risas.

Cristina Carmona

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Cuando llega la gala de los Óscar todos buscan a los mejores actores y a la mejor película. Nadie espera la estatuilla al mejor vestuario. Porque habremos oído a gente decir “¡qué guapa iba!” “ese vestido es horrible”, pero no ir más allá de un simple adjetivo.

¿Importa realmente el vestuario de una película? Solo hay que pensar en la historia que se puede transmitir a través de una simple prenda, porque todos sabemos qué distintivos tenían los años 20 o el medievo. Podemos reconocer una época o incluso sensaciones y sentimientos. ¿Qué sería de películas como Gladiator o Forrest Gump sin ese elemento que pasa tan desapercibido pero que se queda en la retina? ¿Sería igual de icónico “Desayuno con Diamantes” sin el vestido negro de Audrey o “La Tentación Vive Arriba” sin el vaporoso vestido de Marilyn Monroe?

Existen prendas que en sí mismas encierran historias y remiten a sensaciones.  Y Jacqueline Durran es capaz de hacerlo. Es por ello que, para los entendidos, cuando se anunció que Jacqueline Durran iba a ser la encargada de llevar el vestuario del live-action del clásico de Disney, todos -o al menos sus seguidores- respiraron tranquilos.

La Bella y la Bestia ha captado una gran atención por muchos motivos, uno de ellos por el vestuario. Todos esperábamos ver en la gran pantalla a Emma Watson con ese vestido amarillo que caracteriza a la película clásica de Disney y que miles de niñas reproducen en sus disfraces. ¿Sabías que para su confección en la recién estrenada película fue planificado durante 18 semanas (4 meses y medio) y para confeccionarlo se necesitaron unas 12 mil horas? 

Más allá de los números que esconden el gran trabajo de Durran, el vestuario se inspiró en el original de 1991 como punto de partida y luego en la moda francesa del siglo XVIII. Uno, concretamente, llama poderosamente la atención. El vestido azul de Bella que mantiene durante casi la mitad de la película clásica, ahora se muestra un tanto diferente. Su nueva imagen muestra a una Bella moderna, distinta estéticamente, llevando su personalidad a una mucho más fuerte gracias a una falda que, en parte, se agarra a la cintura. 

Durran ha sido la encargada de dar vida con su trabajo a películas como Orgullo y Prejuicio, Expiación, Mr. Turner, Macbeth o Anna Karenina, película por la que ganó un Óscar. A su espalda deja un trabajo minucioso de investigación, que ha repercutido en un siempre espectacular y detallista vestuario. 

Concretamente, su trabajo en “Expiación, más allá de la pasión”, tuvo un gran reconocimiento. El vestido verde de Keira Knightley fue considerada por la revista Times como el vestido más deslumbrante de la historia del cine. 

A través de éste, Durran quiso retratar la época en la que se ubicaba gracias a la seda, a la espalda al aire y a los terminaciones de la prenda. Además, pretendió dar una sensación de pureza con el lazo atado a la cadera. El color verde esmeralda le bastó como mecanismo para acentuar la feminidad y la seducción de la protagonista.

“Orgullo y Prejuicio” fue otra obra en la que intervino en su totalidad Durran. Uno de los retos que tuvo que hacer frente fue que la novela de Jane Austen ya había sido llevada a la televisión, mediante una serie en la que se involucraban a los personajes en la época a través del corte imperio. Se averiguó que el libro se había escrito en 1796, 17 años antes de su publicación, justificando así la aparición de diferentes tipos de vestuario que provocaban una división generacional. Por ejemplo, el Sr. y la Sra. Bennet llevaban la moda de mediados del siglo XVIII, mientras que las hijas se acercaban al estilo de la Regencia en ciertos detalles.

Otro aspecto que Durran consideró relevante fue la incorporación del color blanco en un momento concreto de la película para prácticamente la totalidad de los actores debido a la popularidad del mismo en aquel entonces. 

Durran reflejó a través del vestuario las diferentes identidades de los personajes:

–          Lizzie Bennet: su vestuario refleja su pasión por el campo mediante las tonalidades tierra de sus vestidos.

–          Jane es la más refinada.

–          Mary la intelectual y práctica.

–          Lydia y Kitty las adolescentes despreocupadas.

En definitiva, todas las hermanas comparten ese toque casero y provinciano de una familia con no mucho dinero, efecto que logró haciendo que la ropa pareciera remendada y arreglada una y otra vez. 

El contraste con las clases altas se hace evidente en Caroline Bingley, mucho más refinada y a la moda de la época. Ella sí luce el corte imperio.

El vestuario de Darcy, sin embargo, a lo largo de la película se va modificando. Primero luce una chaqueta muy rígida, para mostrar su personalidad contenida y estricta. 

Tras varios encuentros con la protagonista, Darcy mantiene la silueta pero confeccionada con telas más ligeras y suaves. Su abrigo también cambia, pues ya no es entrecruzado y lo lleva sin abrochar. 

En la escena final esta transición se muestra en su totalidad. Su atuendo se escapa del estilo de la época, mucho más informal.

Pero si de alguna obra ha de enorgullecerse Jacqueline Durran, esa es la de Anna Karenina, aquella que le valió el Óscar. El vestuario se basó en la década de los cincuenta con una clara y notable inspiración en diseños de Christian Dior y Balenciaga entre otros, a pesar de que el libro se publicó en la década de 1870.

Jacqueline lo justificó: “…la alta costura de 1950 se basó en una época anterior. Estudiamos dibujos de la moda de 1870 y vimos que a pesar de haber transcurrido 80 años, encajaban a la perfección con la década de 1950”

De nuevo, el vestuario cumple su función: Anna Karenina tiende a vestirse con colores oscuros, como el vestido color vino que lleva al principio. Los tonos se hacen más claros al enamorarse de Vronsky, pero volvemos a los colores oscuros a medida que crece su paranoia ante la duda de los sentimiento del conde.

El papel del vestuario en una creación cinematográfica es de gran relevancia. No solo cabe fijarse en el guión, en la calidad de la producción o en la actuación de los personajes. Enriquece mucho más si reflexionamos sobre el significado de las prendas y la función que ha querido mostrar el encargado del mismo.

Cristina Carmona

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Este Octubre se estrena su secuela, Blade Runner 2049, en la que estará de nuevo su protagonista, el afamado actor Harrison Ford, además de otras estrellas como Ryan Gosling o Jared Leto y de la producción de Ridley Scott y dirección de Denis Villeneuve. Las expectativas son altas tanto en la producción, guión como en el estilismo debido al legado que hubo procurado para nuestra historia.

Blade Runner se estrenó en 1982, durante una época en la que se soñaba con el futuro y en la que el cine trataba de reflejarlo a través de la ciencia ficción y de películas como Star Wars, Mad Max, Tron, Robocop o Star Trek. Michael Kaplan y Charles Knode fueron los encargados de un vestuario legendario que relució gracias a una norma inamovible: nada de ropa inspirada en ciencia ficción. No valía caer en la estética que numerosas películas ya habían mostrado y explotado tanto durante esos años (e incluso en posteriores).

Ya en el artículo “El futuro ya no es lo que era”, el diseñador Antonio Miró afirmó que “al contrario de lo que ocurre con la mayor parte de las películas futuristas, en ésta el vestuario era, por así decirlo, clásico, es decir que la gente no iba vestida muy diferente a nosotros”.

Blade Runner fue tratado por los estilistas como un film del cine negro, por lo que decidieron que el protagonista debía de llevar un estilo que reflejase un Humphrey Bogart contemporáneo, un vestuario clásico al que el futuro le había dado una vuelta y hubo modificado parte de sus elementos aun manteniendo su esencia. 

Los policías incluso llevaron traje y corbata, al contrario que el vestuario de los supuestos “entes malvados” de la película (los replicantes), quienes llevaban piezas propias de la estética del ciberpunk: peinados agresivos, cazadoras de cuero, maquillaje extremo, impermeables transparentes y medias rotas.

Un personaje en concreto, Rachel, destaca por sus trajes de chaqueta que “parece una revisión avanzada de los de Chanel”, según afirmó la web Modaes.

En definitiva, los estilistas mezclaron influencias de los años 40, la moda japonesa y el punk rock, dando lugar a una mezcolanza de estilos que culminaron la creación de toda una cultura.

Año tras año, los diseños de la película son recurrentes en las pasarelas gracias a la inspiración que se desprende de la misma, fuente de riqueza creativa para los diseñadores.

Por ejemplo, Alexander Wang se caracterizó por la incorporación en sus creaciones de elementos de la película como las mallas destruidas, chaquetas de cuero, tacones con punto y un concepto oscuro. Pero no solo Wang ha sido influenciado por el vestuario de este film. Alexander McQueen (en 1998 y 2003), Christian Louboutin, Gaultier (2009) y Lanvin (2011) son alguno de los diseñadores que se han servido del Cyberpunk y el clasicismo propuesto por la película.

Cristina Carmona

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Lo que no muchos sabían es que Guo Pei tardó más de dos años en terminarlo. Basándonos en los detalles, el vestido estaba confeccionado con seda amarilla, bordado a mano con flores metalizas y recortado con un pelaje de color ocre inspirado en la realeza china y francesa. Una verdadera obra de arte, pese a quién le pese.

Gracias a la viralidad que brotó, este año ha sido el segundo consecutivo en el que Guo Pei ha desfilado como invitada en la Semana de la Alta Costura de París. Los críticos coinciden en que sus creaciones fusionan influencias de todo el mundo, sobrepasando los límites entre la moda y el arte.

Hablando de la diseñadora, Guo Pei es una afamada Couturier china nacida en 1967, en el seno de una dictadura comunista que restringía la moda mediante trajes únicamente utilitarios y vacíos de toda creatividad.

Cuando comenzó a los 26 años, sobrevivió gracias al apetito de la élite china por consumir moda tras la muerte de Mao. Pero, irónicamente, no fue hasta su primer viaje a Europa cuando comenzó a apreciar el diseño tradicional chino. Visitando museos de las principales capitales europeas, encontró unos artefactos antiguos que nunca había visto, a pesar de que habían formado parte de su cultura, una de las más ricas y antiguas de la historia de la humanidad.

Angelica Cheung, editora de Vogue China, admite que los diseños de Guo Pei están ayudando a la artesanía china a alcanzar nuevos niveles de reconocimiento, tanto en el país como en el extranjero. “No es la única diseñadora china que utiliza estos métodos tradicionales, pero es la más destacada”.

Y es que Guo Pei se aleja de seguir las tendencias para crear esculturas en movimiento, tal y cómo ocurrió durante la Semana de la Alta Costura de París 2017. Sus diseños recordaban a las majestuosas catedrales bañadas en una riqueza artística que hoy en día perviven, así como a las prendas monárquicas y eclesiásticas del siglo XVII. Su inspiración terminó por reflejarse gracias a un asombroso maquillaje que simulaban las esculturas religiosas.

En definitiva, una colección verdaderamente artística donde se respiraron detalles creativos dignos de estar en el elíseo de la moda. 

Sus creaciones se cosen enteramente a mano gracias al trabajo de más de 400 trabajadores formados por la propia Guo Pei. A pesar de ello, su taller tarda más de 1 año en terminar de realizar cada una de sus colecciones. En concreto, se tardaron 3 en preparar su famosa colección denominada “The Legend of Dragon”, presentada en el 2012, en la que se inspiraba en uno de los elementos clave de la cultura china: los dragones.

Es así, gracias a diseñadores jóvenes y sin miedo a innovar, como poco a poco se conseguirá desviar el estereotipo made in China hacia conceptos más ajustados con lo que realmente fue una cultura tradicional impregnada de riqueza estilística y creativa.

Muy atentos, porque China empieza a sonar en el mundo de la Alta Costura. 

Cristina Carmona

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